lunes, 28 de febrero de 2011

EL TORREÓN

"El Torreón", "The Keep" en su v.o., es una peli rarita. No es redonda, pero sí dispone de algunas imágenes realmente fascinantes, las mismas que, viéndola en vídeo de chaval con la familia, se quedaron grabadas en mi retina. Recuerdo perfectamente que, al terminar, todos los presentes echaban pestes de lo que acabábamos de ver. Pero yo no, yo me había quedado bastante impactado, y durante mucho tiempo arrastré mi pesado culo por este planeta sin saber que cojones de película era aquella. Poco después, y gracias a mis ampliados conocimientos, pude saber mucho más de ella y sorprenderme de encontrar en su elenco (tanto actoral como técnico) nombres de peso. A día de hoy dispongo de una copia de "El Torreón", y ya la he repasado las suficientes veces como para haberle perdido miedo/respeto. Pero mentiría si dijera que, a pesar de su ritmo a ratos demasiado farragoso, y a algunas secuencias flojillas, el material grueso, y sobre todo, aquel que gira en torno a sus aspectos más terroríficos y/o sobrenaturales, no me sigue dejando con la boca abierta. Esta peli continúa siendo efectiva, y continúa siendo rarita, aunque en esencia su trama es bien sencilla.
Un grupo de nazis llegan hasta un pueblecito de Rumanía que reposa a los pies de un imponente y negro castillo. Dentro, el comandante de las tropas se pregunta cómo es posible que las piedras pequeñas estén fuera y las grandes dentro. No se trata de protegerse de una amenaza exterior, sino al revés. Evidentemente, y por culpa de la gilipollez de algunos soldados, tal amenaza no tardará nada en hacerse ver y oír, armando una buena verbena.
De chaval lo que más me fascinaba de "El Torreón" era su estética, tan barroca, recargada, flipada y artificial como suele ser habitual en los trabajos de su director, el reputado Michael Mann. Sin embargo, a pesar de su tufo a anuncio de colonia, en realidad dicho estilismo sigue beneficiando mucho, y para bien, a la peli. Realza su "rarismo", y eso mola. Las cámaras lentas, los contraluces desmedidos, el humo presente de modo casi continuo, la alucinante, marciana, pero muy adecuada música de "Tangerine Dream" y la solemnidad general hacen de ella algo fuera de lo común. Añádanle unas gotas de brutalidad (no muchas, pero sabrosas... sobre todo para un jovenzuelo imberbe) y un espectacular diseño de producción. Sobre todo con respecto al castillo, pero también el de la criatura tiene mucho que decir. Parida por el dibujante de comics francés Enki Bilal, y la mar de bien esculpida y moldeada por los chicos de efectos especiales, la bestia de "The Keep" a día de hoy sigue siendo de lo más chanante, con sus músculos atrofiados, sus venas, y esa luz roja interior que asoma por ojos y boca. Verlo para gozarlo. A la paella metemos un montón de rayos de colorines, cuyo cénit se encuentra en el enfrentamiento final entre el bien y el mal, y ale, lista para chuparnos los dedos.
A Michael Mann (también autor del guión, según la novela de F.Paul Wilson) acompañan actores hoy más que conocidos como son Scott Glen, Jürgen Prochnow, Gabriel Byrne o Ian McKellen (que, a gusto personal, lo hace bastante mal).
Como digo, y decía, no es una peli perfecta, ni mucho menos, pero sí tiene la suficiente cantidad de ingredientes disfrutables como para darle una oportunidad, más si te gustan las cosas un pelín diferentes. Curiosamente, en muchos aspectos es mogollón de ochentera... sin embargo, si la emparentamos al terror de la época, no lo es nada.

MATA MARIPOSA MATA

Un producto Joseph Lai en toda regla, aprovechándose esta vez del tironcillo del sub- género de “Violación y venganza”, pero al estilo Lai, es decir; utilizando alguna que otra escena de otras películas (o tal vez no… Quizás lo que yo he detectado como escena de otra película, esté expresamente rodado para esta. Eso es lo que hace grande el cine de esta factoría).
Una joven es violada por una docena de individuos (en realidad, lo único que hacen es tocarla mucho, estrangularla un poco, y zarandearla demasiado) de manera vil y gratuita. Humillada, decide suicidarse tirándose desde lo alto de un puente al agua, pero será salvada del ahogo por un individuo, al cual me pareció verle durante la violación… ( pero de nuevo, puede ser que esté equivocado). Tras esto, ella se vengará de sus violadores de maneras más o menos gráficas. De entre medias, rellenaremos la película con conversaciones de mafiosos, hablando de si este me debe 2000, o si al otro le debo 4000.
Aburrida hasta decir basta, y divertida en los momentos mas inadecuados, MATA MARIPOSA MATA, no destaca demasiado en muchos aspectos. Una Explotación “Made In China” cuyo argumento seguimos a trompicones por mucha atención que pongamos, porque el problema está en como está narrada la película; Pudiendo hacerlo con el culo, lo hace con los cojones. Así saca más dinero, más rápido.
Con todo, un producto exótico al cual dedicarle un momento, no supone demasiado. Y en la parte buena, unos títulos de crédito iniciales, con desquiciante banda sonora y repetición de planos incluidos, que hace presagiar algo mucho mejor (en el mal sentido) de lo que en realidad es.
Firma la película Steve Lung. Un seudónimo de váyase usted a saber quien.
¡Ah! Y también hay artes marciales. Gratuitas, eso si. Todo en esta película es regalado.

viernes, 25 de febrero de 2011

YO QUIERO SER TORERO

Por fin (desde su lanzamiento en vídeo, allá por 1987 que no sabía nada de ella), consigo ver de nuevo, la cochambrosa opera prima (y única película) de Miliki, que bajo la batuta y dineros de Carlos Cascales, para su fructuosa empresa Olympic Vídeo (poco presupuesto, máxima rentabilidad), inmortalizó, eso si, en vídeo, a los sobre valorados en su momento, y mega-trasnochados ahora, Juan Rosa (La Pulga de Torrelavega) y Manuel Sarriá ( El niño de la linterna), más conocidos en Andalucía, y en el resto de España, por culpa del UN, DOS, TRES, como “El Dúo Sacapuntas”, en una película única en su especie, tan mala que hay que pensárselo dos veces para continuar con el visionado una vez le has dado al play, pero que por otro lado, es imposible pararlo, de lo entrañable que resulta ver a estos dos efímeros cómicos de los ochenta, en su salsa, en su esplendor, con sus chistes malos y sus sketchs peores, crecidos en algún momento y patéticos a rasgos generales.
La película, resuelta en cosa de seis o siete escenas, donde se impone por encima de todo el plano secuencia mal encuadrado e interminable, cuenta la historia de dos maletillas, bastante sucios y llenos de cachivaches, que en su afán de convertirse en estrellas del toreo, llegan a un pueblo donde se les ofrecerá torear al toro “Superman”, bestia de entre bestias allá donde las haya, que de veinte que le han toreado, veinte acabaron en el hospital. Un trabajo que ni pintado para “El dúo sacapuntas” que antes se las tendrán que ver con los clientes de un restaurante, en el que tendrán que trabajar para pagarse un platejo de comida.
Un producto honesto y con fines comerciales, que ofrece lo que tiene que ofrecer, que es a los dos cómicos, protagonizando gags de lo mas tontos (y efectivos en la época), sin mas artificios que los trajes de luces que lucen en el cenit de la película. ¿Queréis al Dúo Sacapuntas? Pues aquí los tenéis en estado puro, tanto, que en un momento de la película, siendo ellos invitados al balcón del ayuntamiento en el que anuncian su debut en el toreo, y dentro de la acción, simulan una de sus actuaciones en directo, pasándose por los huevos toda coherencia argumental, y respondiendo el publico con entusiasmo, ante sus mas famosos chascarrillos (22, 22, 22, la plaza abarrotaaaaaá…), cuando se supone que son unos individuos que llegan allí de nuevas. En definitiva, que tenemos un show en directo dentro de la película. La cara de satisfacción de alguno de sus desdentados espectadores, no se me va a despintar en la vida.
Miliki, dirige, escribe e incluso monta la película, dando bastante manga ancha a los cómicos que improvisan cada dos por tres, todo ello, con buenas dosis de torpeza, dejadez, algo de desgana, y sin malgastar ni una sola gota de su talento a favor del humor hispano-profundo y neorrealista de los Sacapuntas, que ya eran una garantía suficiente, como para andarse con chorradas. Teniendo a los Sacapuntas, ¿Quién quiere currarse una película? Total, se va vender sola sea como sea…
Durilla de ver, entrañable en todos los sentidos, ni tan mala como cabía esperar, ni buena en absoluto, estéticamente es una obra incomparable y pionera. Tal y como está rodada, y registrada en vídeo en el año 87, puedo decir sin despeinarme, que Miliki inventó el cine Underground en España, tal y como yo lo entiendo. Lo dotó de un público entregado, y lo alejó de los circuitos del arte y ensayo, para acercarlo al público más sencillo, y con el aliciente de que en absoluto sus acciones son intencionadas. ¿Alguien me rebate esto?
O quizás, fue Carlos Cascales quien lo inventó, e hizo algo bueno por el, váyanse ustedes a saber…
El caso es que esto si me parece underground, y no lo que hacía Zulueta, por mucho 16 mm. que se gastase, y argumento raro que escribiese.
Aunque eso no la exime de ser mala de solemnidad…

jueves, 24 de febrero de 2011

EL VAMPIRO TEPOROCHO

Película para el lucimiento de Pedro Weber, alias “Chatanuga”, famoso cómico Mexicano, cuyo equivalente a lo que tenemos nosotros en España, podría muy bien ser Juanito Navarro, por ejemplo.
Unos científicos, tras toparse con Drácula, deciden extraerle la estaca que tiene incrustada en el pecho, y meterlo en una nave espacial con la intención de enviarlo al espacio para perderlo de vista, pero la cosa sale mal, y acaba estrellándose en México, donde tomará contacto con los ciudadanos, dando lugar esto, a disparatadas situaciones, en teoría divertidas.
Esto es lo que vendría a ser una “Mejicanada”. La verdad es que el asunto de parodiar al conde Drácula, está ya muy visto, y más aún el tema de trasladar al vampiro a un mundo que no es el suyo. En este caso en concreto, se le traslada a los bajos fondos, haciéndose el conde muy amigo de borrachines y calaña barriobajera, siempre desde un prisma desenfadado y para todos los públicos.
Lo de siempre, y no especialmente lúcido, pero se deja ver con interés, por el buen hacer de “Chatanuga” que se desenvuelve en la película de una manera más que peculiar; a saber: o suelta sus diálogos con ingeniosos versos, o le da por imitar acentos, teniendo el actor predilección por el acento ¡Andaluz!, con lo que la chufla y el chascarrillo, están a la orden del día. Ahora bien, la película de ahí no pasa. De hecho, con un principio más o menos prometedor, la cosa finalmente se queda estancada, y lo que en un principio nos parecía gracioso, acaba convirtiéndose en el más absoluto tedio. El abuso se impone, y sabiéndose “Chatanuga” muy gracioso haciendo de andaluz, finalmente cansa.
Chistes sobre Sida (¡Súper oportunos!), miembros amputados y Condorito, no ayudan finalmente, a disfrutar de una comedia, por otro lado, muy simpática.
Dirige y escribe esto Rafael Villaseñor Kuri, que como buen director (y autor) Mexicano, posee una extensa filmografía, en la que, llegados a un punto, se imponen los célebres “home videos”.
Pasable, y tan correcta como prescindible. ¡Ah¡ y sigo sin saber lo que significa “Teporocho”.

miércoles, 23 de febrero de 2011

DE ESPALDAS A LA JUSTICIA

Estamos ante uno de mis descubrimientos más sonados de cuando me dio la deria por los justicieros, hace ya dos décadas atrás (junto a "Brigada de la noche"). Con ese título (y el original tampoco es mucho peor, "One Man Jury". De hecho, hasta el título provisional molaba, "El policía que jugaba a ser Dios"), esa carátula tremenda, ese actor, esa banda sonora y ese año de producción (1978), "De espaldas a la justicia" tenía -a priori- todos los ingredientes para ponerme palote y hacerme flipar.
No se a quién se le ocurrió que Jack Palance podría ser un buen "Harry el sucio", pero desde luego deberían darle un Oscar a ese perla. Con el careto y la planta que gasta, resulta ideal para encarnar semejante rol. Otra cosa es que el director de esto, Charles Martin (un mega-veterano de los años 40 que firmaba aquí su último trabajo), sepa sacarle provecho. Que no. De hecho, "De espaldas a la justicia" representa uno de los grandes momentos desaprovechados de la historia del cine, podría haber sido una peli fabulosa. ¡Joder, si hasta Joe "Maniac" Spinell hace de malo! (y un actor tan trash como Chris Mitchum de ayudante de Palance!!!). Pero nada, ni por esas. "One Man Jury" se queda a medio camino de todo.
Hay un asesino en la ciudad, le llaman "Navajero" ("Slasher" en inglés!) y al golfo le encanta matar a mujeres para follárselas luego. Palance interpreta al rudo policía que quiere pararle los pies, pero no hace más que encontrarse con trabas por parte de los que, se supone, están de su lado. Así pues, decide "negociar" con gente del hampa en busca de pistas y ayuda. Finalmente logrará dar con el asesino al que ejecutará a su puto rollo. Claro que, ya satisfecho, no cumplirá su parte del trato con la mafia, algo que le dará problemas extras.
Pues sí, evidente es la influencia de "Harry el sucio" en este casi-telefilm (y probablemente, algo de "Death Wish" también). Comparten un policía ambiguo capaz de pasarse al lado del mal con tal de pararle los pies a un psicópata, aunque el caso de Palance sea algo más extremo que el de Eastwood. Vamos, que Clint no hubiera cedido ante algunos de los personajillos que pululan por esta peli. El principal problema de Jack Palance es que, a pesar de su aspecto, interpreta a un poli que incluso llega a ser agradable y demuestra varias flaquezas. Además, sale con una tia que está muy rica, y eso atonta a cualquiera (eso si, en un toque muy Bronson, la moza tiene una opinión liberal y opuesta a la de su parteniere respecto a las leyes y los delincuentes). Por otro lado, tenemos la ausencia de violencia y sexo crudos. Tiros y puñetazos hay, pero no están a la altura de lo que uno podía encontrar en un thriller durante los años 70 -casi 80-.
Sin embargo, hay una secuencia que salva totalmente de la quema a esta cosica modesta, y es aquella en la que Jack Palance decide juzgar y ejecutar el solo al asesino, al que mata a sangre fría. Se pone unos guantes para no dejar pistas (cual matón) y ¡bang!. Una vez hecho, y siguiendo la estela del "Paul Kersey" virgen, el poli se queda bastante afectado, acosado por dudas morales y algo de remordimientos. Semejante acto supera en mala hostia incluso a la maravillosa secuencia de "Harry el sucio" en la que "Callahan" tortura al psicópata "Scorpio" en medio de un estadio de futbol. No en calidad técnica ni actoril, tampoco en intensidad, sino más bien en significado amoral. Por eso a "De espaldas a la justicia" le doy un cinco pelado, y no un suspenso. AH! y por la música, que a mi me gusta mucho, sobre todo el tema inicial.
Y como colofón, una curiosidad. Según he leído por internet, en blogs y webs americanas, la versión que rula por ahí termina distinta a la que tenemos en España. Se suponía que, tras acabar con los malos, Palance iba a ser detenido por su compañero, pero al actor no le molaba nada la idea, así que -dicen- justo antes de rodar aquello, tiró su corbata al mar (ya que la acción se desarrolla en un yate) y se quedaron con las ganas. Pero, en la versión que yo tengo, después de esa escena sigue otra que no desvelaré, pero presupongo que aún le gustaría menos a Palance... y a mi. En su momento, cuando la vi por primera vez, no me moló nada y me dejó algo deprimido. Vista hoy, sigue siendo un "momento puta", solo que ahora le encuentro hasta su encanto. Para saber de que hablo, deberán agenciarse una copia del film... ¡si la encuentran!.
Lo dicho, menos de lo que podría haber sido, pero entrañable a su manera.

martes, 22 de febrero de 2011

FUISTE MIA UN VERANO

En España, tenemos a Raphael o a Julio Iglesias, cantantes reconocidos internacionalmente, que protagonizaron, con éxito, montones de películas durante los 60 y 70. En Argentina tienen a Leonardo Favio, el equivalente a cualquiera de estos dos a nivel popular.
Bien, pues Leonardo Favio, como artista, se caga en los ancestros de esos dos divos Españoles. Si ustedes piensan que Julio Iglesias y Raphael son genios porque cantan, logran agotar las entradas de sus espectáculos meses antes de la fecha y protagonizan películas, que sepan que Leonardo Favio, además de cantar y agotar localidades, compone canciones, y actúa en películas, pero además, escribe guiones y dirige films de culto. Si como lo oyen; Según Wikipedia, dos de las consideradas mejores películas Argentinas, son obra de este elemento.
En busca de lo exótico (como siempre) topé con esta película, y descubrí a Favio. La película es para su lucimiento como cantante, un producto meramente comercial, en el que el solo participa como actor y cantante, pero que está claro que mete baza por todos lados, por lo que ahora ustedes verán.
Mientras que las películas que sirven como vehículo a cantantes españoles, al final se traducen como burdas comedietas en la que se meten las canciones de estos con calzador, de resolución facilona, y aptas para todos los públicos, en FUISTE MIA UN VERANO, el núcleo de la película son las canciones de Favio ( hay casi 30 durante la película) y por cada canción de cuatro minutos, hay dos de argumento, y damos paso a otra canción de otros tres, y así. Se va al grano y se nos ofrece las canciones, que es lo que el publico de Leonardo Favio quiere ver. Con esto, se logra tener al público contento. Mientras se tengan las canciones, se tiene el dinero. Por lo demás, de manera natural, se tiene una especie de “carta blanca”.
Entre las canciones, veremos desgarradoras desventuras amorosas, risas, llantos y crueldad. Pero no un argumento que podamos seguir, si no situaciones.
Porque esto que he visto, es algo muy parecido a las películas de Godard. Cine de vanguardia en toda regla, señores. Se que suena a chiste, pero es la verdad…estéticamente, y con esa iluminación de película de terror, e incluso cuando resuelven numeritos musicales a base de filmar a Favio caminando en dirección a la cámara, a una distancia de 500 metros aproximadamente. Eso es cine experimental, realizado expresamente, pero con la música ligera popular como aliciente para su venta. Es decir, el producto es una mega-estrella, lo que venden son sus canciones, así que usemos eso (ventas seguras) y hagamos arte.
Maestría en algunos movimientos de cámara, osadía en todo lo referente a iluminación y ambientación, y dos cojones muy gordos a la hora de hacer una película así.
Una joya incomprendida (intuyo) y desconocida (para muchos), que ha despertado en mi el interés por la obra del cantante, porque mucho me temo que va a ser similar a esta maravilla que acabo de descubrir, aunque ésta no sea de su autoría.
En esta ocasión, y, repito, seguramente bajo la batuta del cantante, dirige Eduardo Calcagno, con tan solo siete películas en su haber desde 1969 hasta 2007.
Según me informo, el cantante invertía todo el dinero que ganaba en el mundo de la canción (que era mucho) en hacer sus películas, del todo personales y no para todos los gustos. De ahí salen títulos de prestigio como CRÓNICA DE UN NIÑO SOLO, o EL ROMACE DEL ANICETO Y LA FRANCISCA.
Sorprendente. Y yo que tan solo me quería echar unas risas…

lunes, 21 de febrero de 2011

NECROPHAGUS

Atraído por el culto que se le profesa a esta extraña película, decidí verla, comprendiendo así, que aunque curiosa, tampoco destaca demasiado en ningún aspecto, y que el “culto” que se les dedica a según que pelis, no solo es cuestionable, si no también, incomprensible, e incluso aleatorio. Supongo que dependerá de ciertos factores. En todo caso, alguien debió valorar, el mal desarrollo de la historia, el no saber contarla (existe la posibilidad del poco entendimiento por mi parte, que no creo), y una ejecución torpe del montaje. Nada que no haya visto antes en otra película, y en proporciones mas desmesuradas.
Un individuo al que se le muere la mujer, acude a un pueblo para ver porque ha ocurrido esto (¿???). A otro individuo le entierran vivo, y regresa de la tumba convertido en un monstruo verde, absurdo y ridículo, que poco o nada tiene que ver con el que vemos en el maravilloso póster. Entre medias, tipos con mascaras corren de aquí para allá, acosando al protagonista sin saber por que… No alcanzo a comprender nada más. Ustedes disculpen mi torpeza mental… o discúlpensela al responsable de la película.
A estas alturas, ya sabrán de mi debilidad hacia este tipo de productos, pero esta vez, no he sabido encontrarle la gracia al asunto. El aliciente para ser tenida en cuenta(a niveles "malos que son buenos"), es que no te enteras de nada, pero poco más. Vale, el monstruo es totalmente risible, pero nada que a estas alturas sorprenda. Y por lo demás, ni es especialmente mala, ni destaca en otros aspectos comentables. Ritmo nulo y aburrimiento. Nada más.
En el reparto, Bill Curran, actor de tercera categoría, que intervino en pocas películas de cuarta categoría, e hizo un cameo en la serie YO ESPÍA, y es poseedor de un carisma de quinta categoría. Le secundan los imprescindibles (y motivo por el que justificar un visionado de esto) Víctor Israel y Frank Braña.
En las tareas de dirección, Miguel Madrid a.k.a. Michael Skaife, que también dirigió EL ASESINO DE MUÑECAS y la mitiquísima BACANAL EN DIRECTO, y que ya nunca mas realizó una película. Falleció en 1996.

viernes, 18 de febrero de 2011

CURSE IV: THE ULTIMATE SACRIFICE / CATACOMBS

Antes de hablar estrictamente de esta peli, hagámoslo de la franquicia de "The Curse". Todo comenzó con la piece de mismo título, estrenada en las Españas como "Granja Maldita" (mediocre, pero pasable, y muy ligeramente inspirada en H.P.Lovecraft). Funcionó tan bien a la hora de recaudar billetes que rápidamente se hizo necesaria una secuela, ¿solución?, pillar cualquier otra peli adscrita al terror y meterle de título "Curse 2", aunque no tuvieran absolutamente naaaada que ver la una con la otra. Y así hasta tres veces. A "Curse 2: the bite", un rollazo de tomo y lomo sobre un tio con un brazo/serpiente, le siguieron "Curse 3: blood sacrifice", que ni me he molestado en ver por la mala pinta que gasta (una historia de vudú con Christopher Lee por ahí metido) y, obvio, "Curse 4: The ultimate sacrifice". Sí, esta cuarta entrega está tan desvinculada de la supuesta peli madre como de las secuelas (que irónicamente se hicieron después), pero claro, a falta de nada mejor, y dada su condición de "peli desvalida", era la perfecta candidata. ¿Que por qué digo lo de "peli desvalida"?, pues porque originalmente esta obra se titulaba "Catacombs" y estaba producida por Charles Band desde su sello "Empire". Sin embargo, este quebró, se hundió y el film quedó en el limbo de los olvidados, a la espera de que alguien lo rescatase. Finalmente, y pasados unos años, se tuvo que conformar con ser la cuarta parte de una saga video-clubera. Independientemente de su calidad, debió ser muy frustrante para su director, David Schmoeller, un tio que sin ser ningún genio, se nota que hace sus proyectos con cariño e intentando dotarles de algo distinto, todo lo distinto que puede ser una horror movie de segunda fila. Schmoeller tiende a ignorar el gore y gusta de crear atmósferas extrañas e inquietantes, de salirse de topicazos y, esta sí es marciana, firmar sus guiones con pseudónimo italiano, ¡justo el caso contrario al habitual!. Así pues, a Schmoeller debemos cosas como la lograda "Trampa para turistas", la aburrida -pero bien considerada por algunos- "El ático", "La venganza de los muñecos" o "Netherworld" (estas dos últimas ya en "Full Moon"). Curiosamente, y según Imdb, actualmente rueda cortometrajes aprovechando sus funciones de profesor!!!, casi todo comedias, dramas y romances. Imagino que debe estar hasta la polla del negocio del cine y ha vuelto a las esencias, rodar por placer... que grande, ¿no?.
Centrándonos en "Catacombs", nos encontramos con una pequeña rareza dentro de su estilo y categoría. Veámoslo: aquí no hay gore, no hay sexo, todo se desarrolla en un monasterio perdido en Italia (país de co-producción) y la mayoría de los personajes son monjes tirando a abueletes. Encima, el único tio joven es religioso también, por lo que pocas posibilidades de marro hay con la chica protagonista (una pipiola). Todos estos personajes se mueven alrededor de una criatura, un especie de albino poseído, que habita las catacumbas del lugar y se muere por cazar a todos los monjes y vengarse así de sus antepasados, los mismos que le encerraron.
A la falta de ingredientes llamativos, hay que añadir una sosería general que duele al alma. Y es una pena, porque la intro está muy bien. Pero luego, nada, rutina casi propia de "slasher" pero sin bimbos tetonas ni asesinos enmascarados molones. Desaprovechar las posibilidades atmosféricas de un entorno como ese es un crimen imperdonable, y la vacua fotografía casi telefílmica no ayuda mucho. Tanto es así, que la única secuencia realmente poderosa y perturbadora (un cristo de ojos negros, tamaño natural, que baja de la cruz ante un flipado monje que cree ver un milagro y poco sabe que va a morir en manos de su supuesto salvador), no es tal. Pura rutina. El desenlace es la mar de tontuno... y dices ¿tanto rollo para esto?. En fin, un notable desperdicio de buenas intenciones e ideas.
Como curiosidad, mencionar que la banda sonora se la debemos a todo un habitual en el cine de terror, y en la filmo de Schmoeller, como es Pino Donaggio y que uno de los productores responde al nombre de Hope Perello, ¡director de "Aullidos 6"!.
El "ultimate sacrifice" es ver esto de un tirón y sin dormirse.

jueves, 17 de febrero de 2011

NELLA TERRA DEI CANNIBALI

En el año 2003 el entrañable cabronazo de Bruno Mattei se encargó de recuperar un subgénero al que ya creíamos muerto: las películas de caníbales (es curioso que mientras la mayoría de cineastas originarios reniegan de ellas, Mattei tuvo el morro de hacerlas en unos tiempos tan políticamente correctos como los nuestros).
A la “espera” del anunciado return de Ruggero Deodato al tema que –para bien o para mal- le dio la inmortalidad, podemos "disfrutar" de la que fuera primera aportación al asunto según papá Bruno (esta vez bajo el alias de Martin Miller), "Nella terra dei cannibali". Luego vendría "Mondo cannibale".
¿Para que perder el tiempo divagando?, la peli no es más que una mezcla de "Holocausto Caníbal" (ideas directamente robadas, como el aborto a pedradas) y "Depredador" (sin monstruo). Un comando de garrulos -tan del gusto de Mattei- se interna en una selva repleta de caníbales afilipinados (deberían hacer en Filipinas un monumento al director italiano, ya que se pasó más años de su vida allí que en la tierra que le vio nacer). Naturalmente los aguerridos muchachos van siendo testigos de las atrocidades acometidas por los devora-hombres para luego, y por tandas, ir cayendo bajo sus zarpas.
Todos los tópicos del cine de caníbales desfilan por esta peli, pero, no nos engañemos, lo hacen de un modo extremadamente light, soso y nada imaginativo. La sangre parece vino de tetrabreak, en ningún momento vemos la mutilación frente a la cámara y, mucho menos, si es sexual (vamos, que ni castraciones, ni senos agujereados por ganchos...). Lo único, la siempre criticable muerte de un animal filmada sin truco ni cartón, en este caso un jabalí.
Resumiendo, que Mattei se ha quedado en la superficie y, en lugar de sacarle partido al video (por sus posibilidades de dotar de verismo a las imágenes) se limita a usarlo como si fuera un formato fotográfico al uso. Los caníbales del nuevo milenio nada tienen de la crudeza, el feísmo intencionado, la violencia gratuita y la moralidad dudosa de sus precedentes setenteros (y ochenteros)... ¡ya nos extrañaba a nosotros! (eso si, gritan mucho, muuucho, se pasan la película berreando como locos... si te vale con eso, adelante).
Pero esa carencia de mala folla tiene sentido. El italiano, vil mercachifle antes que cineasta, tiene en cuenta que un producto excesivamente desagradable tampoco sería fácilmente vendible. ¿Coherente a su manera, no?.

miércoles, 16 de febrero de 2011

ROCAMBOLE CONTRA LA SECTA DEL ESCORPION

Cine añejo de Súper Héroes Mexicano, y una alternativa al cine de luchadores, aunque en esencia, es lo mismo, pero mas para todos los públicos. O sea, que “contra la secta del escorpión”, la protagoniza el tal Rocambole, pero perfectamente podría haber sido el Santo o Blue Demon. Claro, que este Rocambole, es un pelin mas ridículo, porque lleva capa y se cierra la máscara con cordones por detrás de la cabeza… aunque por lo menos no está tan entrado en carnes como sus compadres luchadores.
Un tipo que se dedica al espectáculo de variedades (es mago, fakir, ventrílocuo), lleva una doble vida. Por el día hace sus shows, pero por la noche lucha contra el crimen.
En una de estas, que le secuestra una secta (la del escorpión, claro está) y le proponen unirse a ellos en una descarnada misión…¡ La de dominar el mundo!, obviamente, Rocambole dice, que por los cojones, y los combatirá a base de puñetazos.
Un coñazo, soso, tonto, y sobado. Y aunque hay algún entendido que reivindica el género este de Mexicanos enmascarados (y no ya que lo reivindique, es que en ocasiones hay autentico furor… Incluso, D.J,s modernitos que en su puta vida han visto una peli de estas, hacen sus espectáculos con mascaras de lucha libre…) pero yo no acabo de verle la gracia. Quizás por antiguo… porque si es cierto que películas actuales de este género me las he comido con gusto. Pero esta… digamos que ni la curiosidad resulta satisfecha.
Dirige Emilio Gómez Muriel, que aportó al serial de Rocambole un título mas, ROCAMBOLE CONTRA LAS MUJERES ARPÍAS, otro al de Blue Demon, BLUE DEMON DESTRUCTOR DE ESPÍAS y películas como SANTA… no, no se trata de la versión femenina del Santo. Es un drama.
Por lo demás, cine de diversos géneros en su filmografía.

BELOW

De entrada el caso de esta peli resulta desconcertante. Una producción adscrita al género del terror del 2002 vía "Dimension Films", con dirección de David Twohy, el mismo de "Pitch Black", y guión y producción de (entre otros) ¡¡¡Darren Aronofsky!!!!, sí oiga, el señor tras "Requiem por un sueño", "El luchador" o la reciente "Cisne Negro". En el reparto no destaca nadie especialmente (tenemos algunas caras conocidillas como las de Bruce Greenwood, Olivia Williams, Jason Flemyng o Dexter Fletcher, búscalos en Imdb y verás como te resultan familiares) salvo Zach Galifianakis, en aquella época aún empezando y hoy por hoy bien conocido gracias a comedias como "Resacón en Las Vegas" o "Salidos de cuentas". Y sin embargo, y a pesar de todo, desconocía por completo "Below"... y vamos, no me consta que llegara a nuestras tierras, ni siquiera en formato DVD.
La idea de partida es prometedora: Una de "casas encantadas" pero en un submarino. ¿Simpático, no?, por lo menos el emplazamiento es original.
La cosa va así: En plena segunda guerra mundial, un submarino americano rescata a unos naufragos ingleses, entre los que hay una moza, algo que -dicen- trae mala suerte. A partir de ese momento todo comenzará a complicarse e irán pasando cosas raras e inexplicables. ¿Es la tipa u... otra cosa?, ¿un secreto oculto por la tripulación?, ¿de quien es ese rostro que a ratos se deja ver y jode la marrana?. Misterio.
"Below" tiene algunos momentos muy buenos. De mucho suspense. Destaco la escena del barril explosivo que se pasea por encima del submarino a la espera de que estalle, o el "momento espejo", un modo distinto de recurrir a un efecto muy sobado (y que funciona). También hay alguna secuencia que juega bastante con la oscuridad, con voces susurrantes que no se sabe de dónde salen... elementos estos muy adecuados para crear miedo, o cuanto menos inquietud. Así mismo, nos muestran algunas "novedades" con respecto al cine de submarinos, como la bóveda inferior por la que se cuelan algunos buceadores (muy bien ambientada con algas y recovecos oscuros) o el gancho gigantesco que arrastra un barco con el único fin de dañar el submarino.
Sin embargo, también hace gala de unos cuantos aspectos negativos. De hecho, hace gala del peor de todos ellos, el aburrimiento. Narrativamente es algo confusa, no acabas de pillar muy bien lo qué ocurre y por qué. A ratos, parece incluso mal montada. La jerga técnica es excesiva y no ayuda demasiado, como tampoco lo hace un notable montón de buen material bastante desaprovechado.
Quiere ser una peli de terror "seria y respetable", sin gore de ninguna clase ni nada del estilo (aunque sustos baratos, los hay), pero no lo consigue... se queda a medio camino de todo, en zona de nadie y, como decía, uno acaba bastante aburrido y deseando que llegue el final.
Efectos CGI por un tubo (aunque al ser la mayoría de submarinos y barcos, no cantan mucho) y un desenlace algo zopenco.
Podría haber sido mucho mejor. Ahora entiendo todo.

LA HORRIPILANTE BESTIA HUMANA

Maravillosa y salvaje película del “Pater Familias” de los Cardona, Rene Cardona Senior, que se adelanta a su tiempo con una película extremadamente gore para su época ( y para la actual), que le valió no pocas prohibiciones a lo largo y ancho del planeta (de hecho, es un “Vídeo Nastie”) y tan gratuita en la violencia es todo un placer para los sentidos.
Un medico, tiene un hijo enfermo del corazón, así que decide transplantarle el de un gorila, para que este sobreviva. La operación es un éxito, pero por consecuencia, el joven se convierte de vez en cuando en un monstruoso y musculado simio que despelleja, literalmente, a todo el que se cruce en su camino.
Está claro que el señor Cardona descubrió el cine de Herschell Gordon Lewis y quedó fascinado, porque claramente, las escenas mas gore de la película, son un calco de las del papá del Gore. De hecho, la celebre escena del mono aplastando la cabeza de un humano y sacándole el ojo, tomándose todo el tiempo del mundo, recuerda especialmente a alguna de las películas del viejo. Lo de la mala baba (siempre presente en las pelis de Lewis), también está presente en esta cinta, pero al ser un hombre mono el que comete los crímenes, como que nos lo tomamos mas a guasa.
Muy Mexicana ella (hasta la protagonista femenina se dedica a la lucha libre), está montada con tanto brío y va tan al grano, que es imposible que nos aburramos, ¡es terriblemente entretenida! Y sin floritura alguna. Cardona sabe, que el posible público de la película quiere ver carnaza, y se la da a cantidades industriales. Aquí tenemos de todo, despellejamientos, desmembramientos, arrancamiento de cuero cabelludo, extracciones oculares, violaciones, sangre a “kilohectalitros”… ¡Todo!
No falta en la peli un peculiar sentido del humor que la dota de una simpatía a prueba de balas.
La versión Americana tiene el sugerente, pero engañoso título de THE NIGHT OF THE BLOODY APES (La noche de los monos sangrientos… así en plural, cuando es solo un mono que la monta muy gorda) y está cercenada de mala manera, mostrándonos solo parte del gran muestrario de gore que ofrece la película. Así que si queremos disfrutar de esta película en todo su esplendor, hay que hacerse con la versión Mexicana. Así pues, la de “Something weird video”, queda descartada. Además esa es en inglés…
También quiero destacar, la torpemente montada escena de la operación de corazón. Cardona, usó imágenes reales de un transplante de corazón… pero no deja de ser divertido el hecho de que se nos muestra como se extrae ese corazón… pero sugiere que lo que vemos es como se le mete un corazón nuevo ¿Me explico?, digamos que la escena cuenta como le mete el corazón de un gorila, pero vemos como se le saca el corazón humano… ¡Delicioso desbarajuste!
Lo que no dejaba de plantearme mientras veía la película, es como sería la reacción del publico que viera esta peli (o cualquiera de las de Herschell Gordon Lewis) en su momento. Hay que tener en cuenta, que esta peli es de 1969 y se pasa tres pueblos… y la peña por aquellos tiempos, con el gore prácticamente recién inventado, no estaba acostumbrada a tanta violencia, y, en esta ocasión, tan gratuita. El mono mata, porque si.
De lo mejor en pelis chungas. Imprescindible.

lunes, 14 de febrero de 2011

Enredados

Antes de comenzar con la reseña propiamente dicha, quiero aclarar una cosa, con las películas de Pixar y Disney siempre se dice que la ultima es la mejor, que la gente las encumbra con una facilidad pasmosa y que puede que nos dejemos cegar por la novedad. Pues bien, en este caso va a ser igual, pero es que además es verdad, es la mejor, la encumbrare con facilidad y me deje cegar por ella, pero es que joder, se lo merece. La película es superdivertida, y tiene un ritmo endiablado, por esto ultimo creo que es de lo mejorcito de Disney en la actualidad. Si, mejor que Toy Story 3 (de Pixar, ya lo se) que por momentos se me hizo pesada, o mejor que Up, porque los 10 minutos iniciales son insuperables y luego la película va de mas a menos. Porque Enredados tiene ritmo y entretiene es lo mejor de lo mejor que podéis ver en cine ahora mismo, que si, que os suena a lo de siempre, pero es que esta vez es verdad (mas verdad que en anteriores ocasiones, os lo garantizo)

Una gota de sol cayó en la tierra convirtiéndose en una flor mágica. Una mujer de la zona llamada Gothel la encuentra y descubre que cuando le canta a la flor, esta tiene poderes mágicos para curar o incluso para devolver la juventud. Gothel que es muy egoísta, la esconde para ella, y acude cada ciertos años a cantar y así volver a ser una mujer joven y atractiva (menuda milf esta hecha) Pasados los años el reino tiene una buena noticia, la reina esta embarazada, pero una terrible enfermedad pone en peligro tanto al bebe de su vientre como a ella misma. Solo la flor que salio de la gota de sol podrá curarla. La guardia de palacio encuentra la flor, elaboran una medicina y la reina salva su vida y la de su hija. Gothel que no es tonta, entra a hurtadillas para ver a la niña. Al cantarle la misma canción, el pelo de Rapunzel brilla como la flor y tiene sus mismos poderes mágicos. Gothel decide llevarse un mechón de Rapunzel, pero cuando se corta el pelo pierde su magia y se vuelve moreno. Así que sin pensárselo dos veces, Gothel coge a Rapunzel y se la lleva lejos, a una torre escondida en la que Rapunzel pasara el resto de su vida, y donde llamara mama a su secuestradora.

Rapunzel empieza a cansarse de estar encerrada, su "madre" le ha contado que si saliera al mundo exterior todos querrían aprovecharse de ella por los poderes de su pelo (el cual no se corta nunca porque perdería la magia) Así que en cuanto puede y tiene la oportunidad, engaña a su "madre" para que vaya de viaje durante 3 días, tiempo que Rapunzel aprovechara para salir de aventura con el hombre que acaba de conocer, Flynn Rider, y así poder cumplir su sueño (que no desvelare, id a verla)

Como película de Disney que es tiene canciones, no llegan al nivel de excelencia de Aladdin o La Bella y la Bestia, pero están simpáticas. Por ejemplo la canción "Mama sabe" me recordó un poco a la canción de Cruella De Vil, y la que habla sobre alcanzar tus sueños, que se desarrolla en una cantina es descacharrante y con mucho ritmo. También la película tiene romanticismo, no es muy baboso, así que hombres rudos que solo veis películas de asesinos y criaturas del averno, no os asustéis, no pasa nada, podéis ver la película y al salir seguir poniendo los cuernos en el corazón al saludar a un hermano del metal, no se encogen los testículos ni nada de eso. También hay secundarios graciosos personificados como animales, en este caso un camaleón y un caballo. Con el camaleón te descojonas, con el caballo también. Ninguno llega a caer mal, así que punto para Enredados, porque siempre suele haber algún secundario cansino y aquí no lo hay.
Para terminar vuelvo al principio, Si, esta es la mejor película de Disney de los últimos tiempos, si es muy entretenida y para toda la familia, y si, esta película es un clásico instantáneo, en mi opinión es mejor que Toy Story 3.

PURA SANGRE

Cuando pulsé al play de mi reproductor, y comenzó la película, las imágenes que esta ofrecía, eran del todo perturbadoras; La cámara se desplaza flotando, recorriendo un piso de lo mas cerdo: Paredes con restos de sangre, charcos de hemoglobina burbujeante en el suelo y en las camas, mesas repletas de basura, cadáveres desangrados por el suelo y gallinas paseándose alrededor… y por fin los títulos de crédito. ¡Hey, parece que esta película Colombiana, va a molar! El póster de la película, ayuda bastante a que forjemos esa idéa. Y es que la premisa, es autentica, original y tiene bastante, bastante mala baba.
Un asqueroso anciano, sobrevive en un hospital a base de transfusiones de sangre de adolescentes. Para conseguir esa sangre, extorsiona a varios individuos, supongo que enfermeros, para que le consigan esa sangre que necesita para vivir, así que estos salen a la búsqueda de jovencitos, a discotecas y similares, con el fin de extraerles esa sangre. Ahora, que no contentos con eso, aprovecharán para hacer con ellos lo que les salga de los cojones, así pues, los violan y torturan, sacan su sangre para el viejo, y luego los matan. Mientras, el viejo pasa el tiempo viendo clásicos como CIUDADANO KANE, en vídeo sistema Betamax.
¿Mola verdad? Pues no. Al final la peli es un tostón de los insoportables, y aunque posee suficientes elementos que la pueden hacer, a priori, atractiva, al final el director no se hace con ella, y si a la falta de medios le añadimos, la falta TOTAL de ritmo y de imaginación, pues ya tenemos la combinación perfecta para, no ya verla “Fast Fordward” mediante, si no para quitarla directamente. Claro que si uno tiene paciencia y aguanta, como es el caso, pues no es que la cosa mejore, pero si que uno se puede quedar impactado con la incursión, a través de, se supone, una intervención televisiva, de un desequilibrado real. La cara, las pupilas completamente dilatadas y el discurso, por un lado desquiciado, pero por otro lúcido que suelta este individuo, es definitivamente aterrador. Un negro desdentado diciendo que el tiene un talento especial para matar, para asesinar con violencia, estando por encima del bien y del mal. ¡Ese tío si que acojona!
Se recomienda ir directamente a los minutos finales de la peli para ver esto, y obviar el resto del film.
Pero, Olid, ¿Seguro que no te ha gustado nada, nada de esta película?... Pues si, la estética (como no), pobretona hasta la exasperación, pero beneficiosa para la sordidez que se intenta desprender. Imagen aceitosa del 16 mm. mugroso, o algo parecido, iluminación vomitiva de cuatro bombillas y oscuridad en general.
Resuelta casi a base de primeros planos, y a pesar de lo desagradable de la puesta en escena, luego acaba siendo un thriller estándar, eso si, muy pobretón y a la vez cabrón... Eso mola, pero al final son más sus defectos que sus virtudes, dicho de forma generalizada. Yo no me la he copiado, así que no merece la pena.
Dirige, pues un director Colombiano cualquiera, en este caso responde al nombre de Luis Ospina (desde Medellín, hasta la Conchinchína).

domingo, 13 de febrero de 2011

HISTORIA MACABRA

"Historia Macabra" es un caso algo insólito dentro de lo que podríamos llamar "terror ochentero". Su fecha de producción es 1981. Por entonces, aunque aún no estaba del todo instaurado, el cine de miedo había comenzado a tirar por otros derroteros más viscerales y juveniles. "Viernes 13" acababa de triunfar por todo lo alto, y lo que en ese momento el público demandaba eran adolescentes calenturientos asesinados de las formas más explícitas. Pues bien, "Historia Macabra" decidió apostar, justamente, por el bando opuesto. ¿Protagonistas adolescentes?, ¡olvídense!, aquí el reparto principal está compuesto de abueletes, viejas -muy viejas- glorias de Hollywood y/o alrededores como Fred Astaire, Melvyn Douglas, Douglas Fairbanks Jr., John Houseman y en el lado de las féminas, Patricia Neal. ¿Gore?, cero coma cero. La peli apuesta por un terror de la vieja escuela, de atmósferas, de situaciones inquietantes... no en balde su título original lo dejaba bien claro desde el inicio: "Ghost Story", es decir, "Una historia de fantasmas". Puro terror gótico infiltrado en las tendencias más modernas de la década. Aunque ello no impidió a su realizador, John Irvin, introducir aspectos más actuales en su película como una buena dósis de erotismo fino. TETAS!. Lo único que "Historia Macabra" tiene en común con sus coetaneas.
Un grupo de ancianos se reúnen de vez en cuando para contarse historias de miedo. Precisamente, el hijo de uno de ellos muere en extrañas circunstancias, hecho este que va ligado a un oscuro secreto oculto durante décadas por los caballeros. Aparentemente alguien desde el mas allá se está vengando de no se sabe qué. El hermano del joven asesinado decide descubrir la verdad... antes de que los vejestorios terminen todos en la morgue.
El mentado hermano (gemelo, por lo que se reserva dos papeles) lo interpreta el limitado Craig Wasson, al que tal vez alguno de ustedes recuerde por sus papeles en "Doble Cuerpo" y "Pesadilla en Elm Street 3". Irvin, el director, venía de firmar "Los perros de la guerra" y volveríamos a verlo en acción con "Ejecutor" (la de Schwarzenegger), "La colina de la hamburguesa" o "Shiner", con Michael Caine. El guión corría a cargo de Lawrence D. Cohen, también responsable de los libretos de "Carrie", "It" o "Tommyknockers", vamos, un especialista en adaptar a Stephen King, muy adecuado para el momento pues la novela en la que se basa "Historia Macabra" es la más "stephenkingiana" de su autor, Peter Straub. En los efectos visuales, el veterano Albert Whitlock, colaborador de Hitchcock, y en los de maquillaje, el legendario Dick Smith pariendo algunas de sus mejores creaciones. Recuerdo perfectamente las fotos del espectro vengador publicadas en "Fotogramas" y lo mucho que me aterrorizaban!!!.
Y es que no se puede negar que, sin ser la repanocha en ese sentido (y en ninguno), "Historia Macabra" ofrece unas buenas dosis de escalofríos, de algunos momentos inquietantes a los que contribuye muy mucho la actriz Alice Krige, de frío, frágil, etéreo y adecuadísimo aspecto. Por lo demás, pues es bien cierto que el final es un poco atolondrado y flojeras, pero en general se trata de un pedazo de celuloide bastante entretenido y disfrutable, ideal para ver con la parienta una noche sentados en el sofa frente al televisor... o, todavía mejor, solano.

sábado, 12 de febrero de 2011

MAHAKAAL

Antes de ponerme con esta reseña, me animé a investigar un poco por la red a ver qué decían de "Mahakaal". Naturalmente, y como era de esperar, me topé con muchas críticas en las que se reían de ella y únicamente sacaban a relucir sus elementos más ridículos. Aunque era algo que me esperaba, me chocó. Y digo que me chocó porque mis impresiones tras su visionado fueron un pelín distintas. A ver, no se asusten!, no voy ahora a dármelas de esnob y decir que "Mahakaal" es arte y poesía y que los que se ríen de ella son ignorantes... ¡¡para nada!!, acepto y comprendo que sea un film fácilmente ridiculizable, pero también os diré que tiene unos cuantos atributos positivos y que lo que en un principio te desconcierta de ella, termina atrapándote.
Esta es una peli parida en una cultura bastante distinta a la nuestra, que tiene un modo de ver el cine muy diferente. Es inevitable que ese modo de hacer nos resulte extraño y nos provoque la risa, pero al mismo tiempo ello le otorga un algo especial que la hace atractiva y, hasta cierto punto, fascinante. Supongo que se puede ser más crítico y mal carado con una peli parida en nuestras tierras que pretende hablar "nuestro lenguaje cinematográfico" y luego no haga otra cosa que cagarla. Pero el caso de "Mahakaal" es otro rollo.
Siempre me han hecho mucha gracia esos idiotas que rajan de que en Hollywood únicamente sepan producir remakes de pelis europeas, y no se percaten de que en países como la India o Turquía hagan exactamente lo mismo, pero con el cine americano. Encima, sin pagar derechos!!. ¿Eso no es criticable?, supongo que no, ya sabemos el odio y envidia que despiertan los USA. Peor para esos memos. Justamente lo que tenemos aquí es un remake made in Bollywood en toda regla, y toda ilegalidad, de "Pesadilla en Elm Street" parida por los Carpenter/Romero/Craven de allí, los Hermanos Ramsay, especialistas en terrores varios. La trama esencialmente es la misma que el clásico con Robert Englund: Unos estudiantes (aquí especialmente adultos, algo muy típico también en el cine americano, pero que en este caso canta especialmente) sufren pesadillas en las que un tipo deformado y armado con uñas de acero les aterroriza. La cosa es soportable hasta que uno de ellos perece. Es entonces cuando comienza la investigación y descubren que, sí, el padre de la prota -policía- acabó con el asesino (que ya era deforme entonces) saltándose a la torera el reglamento (y motivado porque este mató a su hija pequeña). Ahora, y desde el mas allá, el criminal se está vengando mediante los sueños de sus víctimas... claro que este Freddy Krueger no tiene especial problema en entrar y salir del mundo real como si fuera la puerta del lavabo.
Bien, a continuación añádanle a todo esto elementos típicos del cine de Bollywood. Es decir, números musicales tan horteras como divertidos y pegadizos (los jóvenes, felices antes de ser asesinados, cantan y bailan cuando van de picnic), mucho colorido, protagonistas atractivos y esbeltos (el único "feo" es, cómo no, la irritante comparsa cómica que merece comer aparte, por la cantidad de papeles que se marca, por su imitación de Michael jackson y, obvio, por aportar cantones y cargantes momentos de comicidad que aún pegan menos que los números musicales) y un sentido de la realidad bastante alterado. Los Ramsay no intentan recrear el mundo tal y como es, para nada!, ellos hacen su propia realidad fantasiosa, perfecta, limpia, cargada de buenos sentimientos, ropajes bastante horribles (el "malo" lleva una camiseta de "Iron Maiden" (!), encima de un jersey (!!) y todo ello dentro del pantalón (!!!)) y tiran millas. Algo que no deja de ser curioso, incluso puede que molesto para algunos, pero que a mi me agradó especialmente. Es como si este Freddy Krueger se moviera en los sueños de personajes que, en si mismos, también habitan otro sueño, uno en el que el mundo es un lugar maravilloso y apacible que únicamente puede perturbar, cómo no, un monstruo. Delicioso.
A nivel técnico la peli está potable, las secuencias de pesadillas no están ni tan mal (me mola especialmente la que transcurre en la cárcel) aunque no son muy gore, en esto el film anda algo escaso. Y luego, además de los elementos robados a "Pesadilla en Elm Street" (y secuelas!), también podemos descubrir espolios a "Terminator", "El día de los muertos" y especialmente "Posesión Infernal" (film muy influyente en esa cinematografía), que incluye un sonoro steadycam y una chica poseída que se ríe igual que otra del clásico de Raimi... de hecho, estoy bastante seguro de que incluso utiliza el mismo efecto sonoro!!!.
Y el caso es que, dentro de lo que cabe, y teniendo en cuenta lo que es, "Mahakaal" no me desagradó especialmente (eso sí, con subtítulos en inglés). Algo que tiene doble mérito si tenemos en cuenta que dura 2 horas y 12 minutos,¡¡uala!!, chúpate esa, Freddy.
Para curiosos y amantes de exotismos.

viernes, 11 de febrero de 2011

FANGORIA´S WEEKEND OF HORRORS 1986

¡¿Qué devoto del cine de horror -como yo, vamos- no daría su alma para visitar una de las célebres "Weekend of Horrors" que la revista "Fangoria" organiza en los USA desde hace años?!. Encontrarte con míticos personajes de la farándula, asistir a sus charlas y presentaciones o adquirir toda clase de cachivaches en los numerosos stands. Ahhhhh (esto es un suspiro), amigos, si existe algo hoy día que todavía despierta en mi sensaciones primarias y alegrías infantiles, eso es el cine de terror. Adórolo, a pesar de decepciones y sinsabores. Y sigo en ello. Por ese motivo si un servidor de ustedes tuviera dinero y no fuese una pobre rata, sería el tiparraco más feliz del planeta revoloteando cual mariposilla por los mentados findes del horror fangorianos. Algo que sospechaba desde hace tiempo, y que se ha visto confirmado durante el visionado de este estupendo video-documental.
Y es que claro, háganse una idea, si visitar un "Weekend..." actualmente ya sería molón, ¡imagínense en 1986!, en plena mitad de la década dorada del horror moderno. Ahí tenemos al actor Clu Gulager, de "El regreso de los muertos vivientes" y "Feast", asegurando que los films del momento, como entonces fueron "Re-Animator" o "Pesadilla en Elm Street", serían los clásicos del futuro. ¡¡Tu si que sabías, Clu!!. Al amigo le acompañan nombres tan ilustres como los de Robert Englund (que jovencito!!), Wes Craven, Tom Savini, Dan O´Bannon, Rick Baker o un Tobe Hooper pre-acabado exhultante y que protagoniza uno de los más entrañables momentos del vídeo, la entrega de premios a los cortometrajes de la velada (todos paridos en Super 8 o 16mm). Algunos de ellos pintan muy graciosos, y es del todo sorprendente encontrarse con la versión americana, y ochentera, del realizador underground catalán J.C.Gallardo!. Pero la lista de nombres continúa: la sobrevalorada Elvira (yo no lo trago, oiga!, ni siquiera sus melones me ciegan tanto), Forrest J. Ackerman, John Carl Buechler mostrando un cacho de su entonces nuevísima "Troll", Steve Miner (que dice, claramente, dedicarse al horror por dinero), William "Roger Cobb" Katt, Dick Miller, Walter "Star Trek" Koenig e hijo o una imberbe Jennifer Aspinall dando pie al trailer de "El Vengador Tóxico" (en la que ella se curraba los efectos especiales). A nivel fílmico también veremos secuencias de los dos primeros "Pesadilla en Elm Street", de "House, una casa alucinante" o de "Invasores de Marte" versión Hooper/Cannon.
Pero que duda cabe que uno de los elementos más gozables del vídeo es ver a los putos fans rulando entre stands y hablando de sus pelis favoritas. Mítico, sobre todo por las pintas de jevillarro que algunos gastan. En este apartado destaca el concurso de disfraces, donde veremos toda clase de fermosas aberraciones (me hicieron especialmente gracia los tíos disfrazados de "Cazafantasmas") y la subasta a precios muy módicos. Uno de los items vendidos es, nada menos, un poster promocional de "Commando" que ¡¡yo tengo!!.
En fin. ¿Qué más decir?, pues que cuando terminó de poco no se me saltan las lágrimas. Nostalgia pura, caballeros. Y orgullo, también, orgullo de pertenecer a la comunidad de los horrormaníacos. Y a mucha honra!!!.

NITE TALES

No se por qué atrae tanto en los USA la mezcla Hip-hop/terror. No es la primera película con la que me topo de estas características, híbridos de TALES FROM THE CRYPT, de varias historias individuales, con raperos reconocidos como anfitriones del asunto y/o como parte del reparto de las historias. Ya hablé de esto aquí, y por lo que veo, les seguiré hablando.
En esta ocasión, con el nombre del creador antes del título, Deon Taylor (7EVENTY 5IVE) en NITE TALES se encarga de que el rapero Flavor Flav, del mítico grupo “Public Enemy”, sea el encargado de vender el producto, y de presentarnos las dos historias que forman la película, mintiendo descaradamente al espectador diciéndole que “esta es la primera vez que veremos dos películas en una”.
Las dos historias que integran la película, se titulan KARMA y STORM. La primera trata sobre unos Gangztaz, que tras robar un banco, en plena huída el coche les deja tirado, y deciden robar el que hay aparcado delante de una casa cercana. Entran en ella, y se topan con una sociedad secreta de caníbales, dueños además, del dinero que han robado y que pactan dejar uno de ellos con vida, pero que han de decidir ellos quien será, y que después de esto, es la hora de la comida. En el reparto Fredo Starr y Sticky Fingaz, los dos componentes del grupo “Onyx” que mas se han dejado ver por la pantalla.
La segunda historia, es la enésima revisión del mito de “Bloody Mary” (ya saben, si te pones delante de un espejo con una vela encendida a oscuras, y dices seis veces su nombre, esta se te aparecerá y hará una escabechina), con la variante de que un payaso callejero, entra en la casa en la que suceden los hechos, y no sabemos si los asesinatos son obra de “Bloody Mary” o del payaso.
Bueno; malos efectos especiales, malos efectos digitales, mogollón de filtros de imagen innecesarios, y dosis ajustadas de aburrimiento. Vamos que se puede ver, pero se bostezará durante el visionado.
Esta película (video-clubera) sirvió también como episodio piloto. NITE TALES, se convirtió al año siguiente en serie de televisión, intuyo que sin ningún éxito, ya que después de seis episodios, dos años después, no se sabe nada de una nueva temporada.
La presencia de Flavor Flav como, en este caso, “Time Keeper”, servirá como reclamo para raperos de la vieja guardia, pero ver al rapero, haciendo de si mismo, sin mas efectismos… no se yo, no se yo…

jueves, 10 de febrero de 2011

VIDEO NASTIES, THE DEFINITIVE GUIDE

Recién recibido, este jugoso pack de tres dvds, esta mañana lo primero que se me ha ocurrido nada mas abrir el sobre, ha sido zampármelo in situ. No ha podido ser, porque entre todo el material que contienen los discos, la cosa asciende a casi 13 horas… pero si me ha dado tiempo a ver lo mas importante, el documental y a rastrear mas o menos el resto. Suficiente para hacer una reseñita.
Además hay que dejar claro lo maravillosa que me parece la carátula.
El disco uno contiene el documental VIDEO NASTIES: MORAL PANIC, CENSORSHIP & VIDEOTAPE del especialista en “Video Nasties” Jake West, director de joyas como EVIL ALIENS o LA VENGANZA DEL INFIERNO (de la saga de PUMPKINHEAD) entre otras muchas películas y documentales.
Pero, ¿Qué son “Video Nasties”? para aquellos que a estas alturas, aun no sepan nada de esto, les diré que se trata del listado de películas que por su contenido sexual y /o violento, no pasaron la censura del BBFC Británico. Estos, directamente, son la inquisición del mundo del cine en Gran Bretaña, actuando en plenos años 80, ríete tu de la censura Franquista. Cualquier película que no pasara las calificaciones de esta organización gubernamental, podía ser perseguida por la ley, retirada de la circulación y se podía penar a sus autores y a sus consumidores, incluso con penas de prisión.
Al fin de al cabo, este listado de “Video Nasties” lo único que ha hecho a posteriori, es dotar un puñado de películas, unas mejores que otras, de un encanto, un culto, y un prestigio, del que antes carecían.
Como curiosidad, nombraré los tres títulos “Nasties” de la filmografía española; COLEGIALAS VIOLADAS, LA MALDICIÓN DE LA BESTIA y LA SEMANA DEL ASESINO. Jess Franco, Paul Naschy y Eloy de la Iglesia, ahí es nada.
Bien, pues el documental pasa a contarnos el tema de los “Video nasties” a base de entrevistas a miembros especializados del fandom Inglés, entre los que se encuentran los realizadores Christofer Smith, o Neil Marshall, así como a censores del BBFC. La cosa está bastante bien, pero, paradójicamente, el Inglés Británico, es completamente inentendible, y esto no trae subtítulos de ningún tipo. Aún así nos podemos deleitar contemplando las colecciones de libros, VHS, DVD y demás frikadas que tienen los entrevistados de la parte buena, y que sirven de escenario para sus entrevistas.
Completan el disco uno una galería de carátulas de los 74 vídeos “nasteados”, mas una jugosa selección de trailers de otros lanzamientos de la casa, y un montaje que recoge todas las cabeceras de las distribuidoras de esos “Video Nasties”.
Los discos dos y tres, no podían ser menos jugosos, así que a modo de, también, documental, vamos viendo uno por uno todos los trailers de los “Video Nasties”, precedidos por comentarios extensos y críticas por parte de los mismos entrevistados en el documental, y otros que se unen a tan jugosa idea. Cinco horas de trailers comentarios y críticas el disco dos, y otras cuatro el disco tres. Esta vez si, al menos los trailers traen subtítulos en Inglés. Que pena no saber bien, bien inglés, para comprender todo a la perfección y disfrutar plenamente de este producto.
A destacar los maravillosos menús, mas animados que nunca, con una “Scream Queen”, dando cuenta con hachas, motosierras, cuchillos y demás instrumental, de todos esos inmorales vídeos.
Con todo, un pack maravilloso, que recomiendo a todo aquel adicto a la compra de dvd de importación.

XII

Me hice con esta peli atraído por su cartel, en la que se mostraba una imagen del asesino (se parece, pero no es esta que veis aquí). Me moló su look y me dije, "¿Por qué no?". Tardé bastante en decidirme a verla, y lo hice ayer noche, sin esperar nada de nada. Actitud esta que, en ocasiones, ayuda.
Confesaré que cuando hoy he mirado la ficha de "XII" en Imdb me ha sorprendido descubrir que aún no había pillado su argumento completo. "Ah, pero va de esto?" ha cruzado por mi cabeza. Eso solo puede significar tres cosas: 1-La peli está mal narrada (lo cual podría ser un 25% de verdad), 2-Yo no puse toda mi atención al principio (otro 25%) y 3-Soy un poco lerdo (no coment). Para mi la sinopsis es esta: Un asesino sale de la cárcel, deformado y más loco, y la emprende a crímenes por la región. Para Imdb, va así: Un asesino -de niños- sale de la cárcel en la que estaba pasados -¿solo?- cinco años y se venga del jurado que lo condenó. Esta segunda suena mejor, supongo, pero lo que yo os diga, ¡ni flowers!.
El caso es que, a pesar de navegar un poco en rutina, "XII" se salva de la quema por algunos factores. De entrada, obvio, su asesino. Haciendo gala de una notable retirada a "Leatherface", el muchacho oculta su cara despellejada tras una fea máscara de plástico. No habla, no tiene sentido del humor (algo que también podemos decir de la peli entera, y yo que lo agradezco) y sí mucha mala leche. Es aficionado a secuestrar gente, arrancarles la piel de la faz y coleccionarla (como hacía "Maniac" con pelucas, vamos). No sabes cual es su nombre y no está puesto ahí para convertirse en un anti-héroe del horror como sí lo está, por ejemplo, el "Chrome skull" de "Laid to rest". Hay quien estos atributos los encuentra molestos, a mi me gustan. Luego, un par de crímenes que, hasta cierto punto, sorprenden por inesperados, algo que siempre agrada/impacta. También conectó conmigo el hecho de que "XII" no pierde el tiempo con florituras, sigue un orden ascendente y coherente hasta un lógico clímax final que se cierra sin abandonar dicha lógica. Todo muy a-b-c, lo que en este caso, funciona. Los actores son soportables y el gore no es excesivo, pero se deja ver, aunque los arrebatos de CGI son tan molestos como siempre.
Ah!, no se lo pierdan, según Imdb el director de esto, Michael A. Nickles, también actor, interpretó a Jim Morrison en "Wayne´s World 2"!!!!.
Que nadie se confunda, no estoy diciendo que "XII" merezca un puesto de honor en nuestra dvdteca (o nuestra bobinateca), ni siquiera merece estar, pero dado como son esta clase de productos hoy día, en los que se combina muy malamente slasher con algo de torture porn, el resultado queda un poco por encima de la media... o de la mierda, que vendría a ser lo mismo.

martes, 8 de febrero de 2011

DROGADICTOS QUEMANDO CHIVA

Genuíno “Home video” Mexicano, cuyo título mola mil veces mas que la película, que por otro lado, ni es espacialmente graciosa ni interesante, pero si rabiosamente comercial, ofreciendo en sus fotogramas, los dos sub-géneros que mas gustan a los consumidores de este tipo de productos; “Punks” y “Narcos”.
Un punk adicto a la droga, se ve siempre metido en líos por representar a su banda, peleando con otras bandas y vendiendo droga de forma peligrosa. Tras pegarle un polvo a una operadísima punka componente de su banda, y tras recibir unos palos en una reyerta, punko y punka, se dan cuenta que el delito no es beneficioso, y deciden salirse de la banda, quitarse el tinte del pelo, buscar trabajo, vestir con traje, y en definitiva, convertirse en gentes de bien. Sobra decir, que nadie les va a hacer fácil esa reinserción.
Pura moralina, en esta película que te deja indiferente plano tras plano, destacando en todo caso la transformación de los punks a personas normales; como si cuando están disfrazados de punks, no cantara que son actores de culebrón, mal caracterizados para el asunto.
Al final, tras charlar el prota con unos aspirantes a pandilleros sobre lo pernicioso de la vida en las calles, estos se miran, agachan la cabeza y tiran a la basura el amuleto de su banda. Totalmente repugnante. Nada que ver con otros productos de similar catadura, que son una apología a la delincuencia en toda regla.
Ahora diría el nombre del director de esta chorrada, pero no hay ni un solo dato en Internet que lo diga, y creo recordar que en los créditos tampoco lo pone.
Es igual.

Enterrado

Rodrigo Cortes, el director, ha pegado el pelotazo con Enterrado, ya tiene una buena lista de premios y en breve se acercan los Goya, quien sabe que mas alegrías se llevara el director (y los productores no te digo) La película muy cara no puede haber salido, todo esta rodado en el ataúd en el que encierran al protagonista (en realidad fueron siete cajas distintas para poder grabar los planos necesarios) con un único actor Ryan Reynolds (Masacre en X-Men Origenes Lobezno o el próximo Linterna Verde) y al resto de reparto solo les escuchamos la voz, así que la cosa ha salido baratita casi seguro.

Un hombre se despierta en un ataud bajo tierra. No puede salir, no recuerda como ha llegado aquí, además esta completamente a oscuras, por lo que solo se escuchan sus gemidos. Suena un móvil, y con el se hace un poco de luz en la diminuta estancia. Paul Conroy, que así se llama el pobre desgraciado, es un camionero que trabaja en Irak para una empresa americana que esta reconstruyendo el país. Su convoy fue atacado, el hecho prisionero y enterrado, "solo" un rescate de 5 millones de dolares sera lo que los terroristas pedirán para dejarle salir con vida. Y así transcurre la hora y media de película, entre momentos completamente a oscuras, nervios y muchas llamadas telefónicas. Hay ciertas partes realmente angustiosas, como cuando empieza a entrar tierra en el ataúd, y otras algo mas ridículas como cuando se cuela una serpiente dento del pantalón de Paul. De todas formas la película es un ejemplo de buen hacer, tanto por parte del director que consigue mantenernos en vilo como de Ryan Reynolds por hacer creible un personaje con el que llegas a identificarte rápidamente y por el que sufres llegando la parte final del filme.

La pequeña colleja que se lleva la película es que el ataúd parece poder cambiar de dimensiones. En las primeras escenas lo vemos muy pequeño, casi sin sitio para que Paul se pueda menear, en cambio mas adelante del metraje hasta podrá acurrucarse en un esquina y dejar mas de la mitad del ataúd libre. Esto es así para poder tener un poco mas de "acción", pero es que en la escena que digo que se acurruca, aquello parece un jodido campo de fútbol, coñe.
Ryan Reynolds es un tio que no me gusta, su cara me echa para atrás, y aun así en esta película ha conseguido que lo pase mal por su personaje, vamos que me lo he creído, y cuando a un tio le tienes manía pero consigue llevarte a su terreno, es que mal actor no es.

Tenia mis reticencias a ver esta película, me deje llevar por mis prejuicios (hacia el actor) pero reconozco que una vez vista me ha gustado, tiene la duración perfecta (90 min.) y las dosis de angustia justa para que lo pases "un poquito mal". Así que si sois como yo y en su momento no visteis Enterrado, en serio, merece la pena. En palabras del director, esta película es una experiencia física, y tiene razón, me encontré dando bocanadas de aire como si el que se ahogara fuera yo.

sábado, 5 de febrero de 2011

LA CASA MUDA

Sobre el papel esta producción from Uruguay suena de puta madre. Una peli de terror, basada en hechos reales y, ante todo, rodada en una toma única. Bueno, trucada... pero la sensación es que todo sea en tiempo real, de un tirón, beneficiándose al máximo de las nuevas tecnologías digitales, jugando con oscuridad o siniestros emplazamientos mal iluminados. Lo que digo, que es una idea cojonuda, porque así se rompe toda posible sensación de ficción y el miedo es más auténtico y profundo. Para ello, mete a unos personajes en una casa semi abandonada y espera a que en plena noche una presencia extraña se lo haga pasar putas. Procura que la chica prota se pasee por las más siniestras habitaciones lámpara en ristre y, diiiigo, empápate de utilizar todos los sonidos que tengas a tu alcance, ya que la clave del miedo puro es más auditiva que otra cosa.
Bieeeen, estupendo, ¡¿a que suena de perlas?!... bueno, pues una de dos, o la idea no es tan cojonuda como parece, o el director de "La casa muda" no ha sabido aplicarlo correctamente, porque el resultado es una chapa tremendamente aburrida en la que no conseguí entrar más que en un 5 o 10% de ella. Y fíjate que la secuencia que me proporcionó algún sutil escalofrío fue, justamente, la única en la que se ha utilizado la técnica del montaje!!!, eso significa algo.
"La casa muda" no logra que te metas en la historia, no logra la mínima empatía con los personajes (tal vez porque no da tiempo a presentarlos debidamente... ¿o porque son de donde son?, ¡¡jajaja!!, es broma), y el resultado final, obvio, se resiente total y absolutamente. Los paseos interminables de la chica por la casa son eso, putos paseos interminables. Y te abuuuuurres, y te abuuuurres, y rezas para que termine (y eso que no llega a los 90 min!). Y encima, lo poco que cuentan, no se entiende ni papa (y no lo digo por cuestiones idiomáticas, sino por incapacidades narrativas).
Si al menos el dire lo hubiese enfocado de un modo un pelín más arty, a lo Ti West, a lo mejor sería más digerible... pero no, "La casa muda" pretende ser género puro, terror-terror, y así, con estas maneras, no hay quien la soporte, oiga.

viernes, 4 de febrero de 2011

LA PRIMERA CRUZADA DE INDIANNA JOHNNY

Un cocinero, virtuoso de la cocina “Tepanyaki, está hastiado de la vida que lleva, de su mujer, una gorda inmunda que lo martiriza y de su suegro, dueño del restaurante donde trabaja que lo tiene esclavizado. Harto, decide hacerse unas vacaciones a las Islas Filipinas, con tan mala suerte que acaban acoplándosele el resto de miembros de su familia. El desmadre está servido.
Como pueden ver, nada de lo que aquí sucede tiene nada que ver con la saga de Indiana Jones. De hecho ni tan siquiera es una parodia oficial de la franquicia. Apenas hay un par de minutos en la película en los que si se parodia al héroe del látigo, pero es algo muy, muy secundario. Aunque este par de minutos, fueron mas que suficientes para que en Lauren Films, que en los ochenta se encargaba de distribuir las películas de Michael Hui, decidieran que esto podía ser una buena parodia de Indiana Jones, y se inventaron este título de innegable gancho, pero engañoso como solo podía serlo en los 80, el mercado del vídeo.
Obviamente, si vamos buscando la parodia de la saga, nos decepcionaremos, pero si no tenemos en cuenta este pequeño detalle, y somos amantes del humor Chino (o del humor en general), disfrutaremos con esta película como enanos.
Pizca mas o menos pasó en Japón; Hay que decir que el título original de la película es TEPANYAKI, pero como Hui era el responsable, entre otras muchas, de la saga MR. BOO (LOS LIOS DE MR. BOO), Sin tener nada que ver, estrenaron la película como MR BOO 6: TEPANYAKI. O sea, un lio de pelotas, que solo suele suceder en las peculiares y maravillosas producciones asiáticas.
La película, no tiene un argumento lineal que podamos seguir al dedillo, es mas bien una sucesión de gags bastante bien hilados, con mucho ritmo y muy divertidos, que si bien no hay ninguno que nos resulte antológico, en conjunto si que es una película 100% disfrutable, y como suele pasar en la mayoría de películas asiáticas en las que cocinan, entra hambre viéndola.
Con intenciones de ser vendida con éxito a todo el mercado asiático, en la parte filipinas, contamos también con la presencia de otro cómico popular de las islas, el híper-delgado Palito (¡¡ El D.J. Qualls Filipino!!!), que hemos podido ver (y repugnarnos con su presencia, a la par que nos divertíamos) en algunas de las películas del cómico Redford White, y así tenemos a todo el continente contento.
Poco mas que decir, un clásico de la comedia Cantonesa, un clásico de Michael Hui, que incluso supera algunos de los títulos mas populares del actor/director y una película que ha aguantado perfectamente el paso del tiempo y recomendable 100%, imposible aburrirse con esto. Eso si, de Indiana Jones, poco, poquito.

miércoles, 2 de febrero de 2011

FRANKENSTEIN CONQUERS THE WORLD

Peculiar producción de la Toho, dirigida por su cabeza más visible, Ishiro Honda (O Isidro Honda, como hubo quien le llamó por aquí), en el que con el afán de internacionalizarse, se buscó un personaje conocido internacionalmente, para que peleara con sus famosos monstruos en una película, así que Frankenstein, pareció gustarle lo suficiente a los nipones, como para hacer un Kaiju Eija en toda regla.
En plena guerra, los alemanes encuentran el corazón con vida del monstruo de Frankenstein, que veinte años después acaba en un hospital de Japón. En un trasplante, acabará dentro del cuerpo de un niño que se convertirá en un Frankenstein gigante, que destrozará todo un poquito y que peleará con su enemigo Baragon.
No soy yo muy “godzilero” ni “Tohero”, aunque hay un par de películas que me gustan, como puedan ser KING KONG SE ESCAPA, o EL HIJO DE GODZILLA, pero pocos títulos mas han logrado llamar mi atención, no solo por lo extenso de la filmografía Toho, si no por que con todas y cada una de ellas, tengo la sensación de que ya se lo que voy a ver. Pero, uno exotismo de la Toho como este… esto tengo que verlo. Y tras mucha búsqueda, por fin consigo verlo y me encuentro más de lo mismo, pero peor.
Desconozco que opinión puede tener al respecto un aficionado al Kaiju, pero yo creo que la película no está a la altura de otros clásicos, y que a nivel risas, aunque inevitables en algunos momentos, tampoco es para tener a la película muy en cuenta.
Con un buen puñado de actores caucásicos en el reparto, sin embargo lo mejor es Japonés, sin duda, Koji Furuhata, que interpreta al niño Frankenstein, y que a parte de intentar hacernos creer que se trata de un personaje occidental (cosa esta que no cuela ni aposta), se toma tan a pecho su personaje, que parece que está interpretando a un retrasado mental. Los mejores momentos son los de Frankenstein a tamaño natural, los únicos con los que podemos soltar alguna risilla. En el momento en el que crece, la película se convierte en un Kaiju mas, pero totalmente falto de carisma.
Muy mala, pero no seré yo el que os diga que no curioseéis.

LA MOSCA 2

Hubo un tiempo en que hacer remakes, o readaptaciones, no estaba tan mal visto como ahora. Fue en aquellos entonces en los que el respetado David Cronenberg volvió a llevar a la pantalla la historia del científico que inventa una máquina teletransportadora con la mala fortuna de, al probarla, combinar su ADN con el de una mosca y que había sido adaptada con muy buena mano por Kurt Neumann en 1958. La versión del canadiense resultó muy distinta. Los que corrimos a verla (yo con mi tía, que se partía de risa ante los excesos truculentos) nos encontramos con un melodrama muy angustioso, a medio camino entre el romance y el horror más desagradable. Esta mosca nada tenía de camp o ingenua, ni tan siquiera había sido parida para satisfacer a los adolescentes devotos del género. Era una peli adulta en todo su significado (aunque la última vez que la visioné, me pareció que no había envejecido demasiado bien). El éxito de la empresa (¡con Mel Brooks en tareas de productor!) empujó a sus responsables a pensar en una secuela. Como era de esperar, Cronenberg se desentendió por completo. ¿Perjudicó tal decisión a "La Mosca 2"?... hombre, según se mire sí, y según se mire, no.
En esta ocasión nuestro protagonista es el hijo del prota/mosca de la primera. En pleno crecimiento, comienza a sentir los síntomas de que algo extraño está despertando en su interior. Cabreado con la corporación que quiere sacarle jugo, el muchacho-monstruo aprovechará su condición para tomarse la revancha.
A ver. Como decía, "La Mosca 1" se apartaba un poco de las convenciones del género, apostando por un tono más serio (y deprimente). "La Mosca 2" es género puro. Terror de palomitas. Obviamente, y como ha pasado con muchas otras secuelas, esta intenta repetir los aciertos de la primera, la historia de amor, el mega-drama, la angustia de la mutación... pero no lo consigue. O no consiguen hacerlo del modo tan punzante como lo pariera Cronenberg en su momento. Aquí todo es menos, menos tragedia, menos asco, menos sufrimiento... vamos, joder, ¡si hasta hay un happy end!. Pero claro, dejando de lado las inevitables comparaciones, ¡¡¿funciona o no "La Mosca 2"?!!. Pues sí. Como peli de género, funciona muy bien. Es entretenida y tiene sus momentos tiernos y de impacto (hay dos efectos gore realmente potentes).
Y es que, claro, ¿cómo pretenden sustituir a todo un auteur como es Cronenberg con Chris Walas y esperar que ambas pelis estén a la misma altura en cuanto a calidades e intenciones?. Walas es un reputado y respetado atífice de maquillajes y trucos de látex que aquí dirigía por primera vez (luego no se prodigó mucho más en el tema). También es notable a quién encontramos en tareas de guión, Mick Garris (dire de "Critters 2", "Sonámbulos" y padre fundador de la serie "Masters of Horror") y Frank Darabont (actualmente triunfando con la serie de "The Walking Dead" y con un currículum bien lustroso, destacando "Sepultado Vivo" y "Cadena Perpetua"). Actuando están Eric Stolz (siempre que le veo, pienso en lo cabreado que debe estar porque le echaron del plató de "Regreso al futuro"!!) y Daphne Zuniga (más conocida como la Princesa Vespa de "Spaceballs". También en el slasher "La iniciación"). John Getz repite de la primera parte, así como Jeff Goldblum, aunque únicamente en formato "imágenes de archivo". El personaje de Geena Davies muere al principio de "La Mosca 2" (la interpreta otra actriz), dato este que da pie a recordar que la muchacha estuvo un tiempo anunciando -cuando aún tenía algo de poder en Hollywood- que ella misma iba a producir una tercera parte centrada en las trifulcas de la madre del monstruo y que iba a ignorar por completo la segunda, intentando recuperar un poco el tono de la uno. Pero nunca jamás llegó a realizarse. Pos me da igual.

Religulous

El extraño titulo es una simbiosis de las palabras Religión y Ridículo, aclarado esto se puede sospechar por donde va a tirar el documental. Porque esto es un documental sobre la religión, no una película de ficción, aunque en algunos dogmas veamos que los profetas tenían mas imaginación que el guionista medio de Hollywood. Aviso a lectores y navegantes, si eres un fanático religioso (de la religión que sea) deja de leer esta reseña y no veas el documental, probablemente te sientas ofendido. Si eres lo suficientemente inteligente, escuchar opiniones contrarias a las tuyas no debería de hacerlo, así que si te sientes ofendido es problema tuyo.

Larry Charles (Borat, Bruno) dirige este documental contando con la cara y voz de Bill Maher, conocido humorista estadounidense por su monólogos haciendo mofa de la religión. Maher viajara por el mundo para entrevistarse con todo tipo de religiosos, desde una capilla para camioneros, hasta el muro de las lamentaciones en Jerusalén, pasando por el Vaticano y con parada en los telepredicadores americanos. También entrevistara a un par de científicos (uno de verdad, el otro de pega) a los que sacara los colores con excesiva facilidad. Mención especial merece un senador de los EEUU que el solito se deja en evidencia, así como un debate televisivo de varios políticos americanos que pone los pelos de punta. A saber, la docena de políticos en un escenario, el presentador pregunta "¿Quien de aquí no cree en la evolución?" Al menos cuatro levantan la mano, en ese momento sentí lastima y miedo.
Judíos ortodoxos, musulmanes, cristianos, mormones, cienciólogos, todos reciben de buen agrado al cómico pero no todos lo despiden con buena cara, bueno los cienciólogos y los mormones ni le reciben, Maher es conocido y su fama le precede. Con unos judíos que fabrican aparatos para hacer trampa en el Sabbat (el día de descanso judío no pueden trabajar, lo que incluye atar o desatar cordones, pulsar botones, utilizar electricidad o hacer fuego) uno de los judíos a la espalda del cómico le llama gilipollas, pero la cámara lo graba y así queda retratado. Los islamistas tampoco acaban muy a buenas con el cómico, pero al menos no le insultan, y sorprendentemente con el único que acaba teniendo una charla amistosa y muy agradable es con un sacerdote católico que esta a las puertas del Vaticano (del que acababan de expulsar al equipo de rodaje) Allí este sacerdote pone a parir a su propia iglesia, al propio Vaticano y muchas de las doctrinas absurdas que se sacaron de la manga como lo de que la homosexualidad es un pecado.

El documental además muestra las muchas similitudes que hay entre todas las religiones, dejando claro que todas beben de la misma historia o mito. Empieza de una forma amena y simpática, pero el final puede que sea demasiado aleccionador, aun así se disfruta mucho y a aquellos que la religión no os diga nada en vuestra vida o aquellos que tengáis vuestra fe tambaleándose por las dudas, os recomiendo mucho su visionado, lo mas seguro es que dejéis de creer. Avisados quedáis.

martes, 1 de febrero de 2011

MUERTE DE UN QUINQUI

Siempre he dicho que la mejor filmografía de Paul Naschy, no es la adscrita al fantaterror, si no los títulos mas estándar; comedias, melodramas, thrillers… Al igual que siempre he dicho que sus títulos de menor calidad, son los más disfrutables.
Pero si definitivamente me tengo que quedar con algunos títulos, sin que estos sean objeto de mofa, y cuya calidad no pueda ser puesta en entredicho, me quedo con EL HUERTO DEL FRANCES, y tras descubrirla por primera vez, la que nos ocupa.
Un quinqui, tras un atraco colectivo a una joyería, decide escaparse con el botín. Sus compañeros, preparan todo para darle caza y recuperar lo que les pertenece, pero saben que dar con el tipo será difícil. Con todo medido, el quinqui decide pedir trabajo de guardes en una finca en la que viven un potentado impedido en silla de ruedas junto a su mujer y su hija. La atracción que sienten ambas por los músculos del quinqui, serán la trama central de la película.
Adelantados a la moda del cine quinqui, el “equipo Naschy”, con Jacinto Molina escribiendo y Leon Klimovsky dirigiendo, se marcan lo que podíamos llamar la primera película del sub-género “Cine kinki”, aunque no sería una película de “kinkis” al uso, mostrando una imagen del mismo mucho mas sofisticada que la que nos ofreció José Antonio de la Loma, sin descuidar la jerga, que en esta película utilizan, a pesar de ir vestidos mas o menos correctamente. Es más, el unico efecto que se utiliza para darle a Naschy aspecto de Quinquillero, es untarle bien de cremita bronceadora, para que no quepa duda de su procedencia gitana. Obviamente, ninguno de los quinquis de la película, son delincuentes reales.
La película, es un 15% acción un 85% melodrama, pero contra pronostico, nos interesa mas el melodrama que la acción, puesto que resulta muy entretenido el especular sobre si Naschy se follará a algunas de las dos féminas de la película, o si el celoso del marido impedido, acabará con unos cuernos como los del diablo… Véanla si les atormenta la duda.
Bien filmada y con buen ritmo, también es posible que nos encontremos con una de las mejores películas que protagonizó y la mejor interpretación de Paul Naschy, menos contenido de lo que suele estar y con muchos mas registros faciales. A su lado, la indispensable Julia Saly en el papel de la hija del paralítico, y Carmen Sevilla, en el papel de la madre, que se pegará tórridos filetes con el bueno de Molina.
A destacar la interpretación de esta ultima, que lo hace bastante bien y me ha sorprendido, siendo yo desconocedor de su carrera mas allá del “Telecupón”, por lo rancio de su filmografía.
De Klimovsky destacar sus películas MARIHUANA, LA CASA DE LAS CHIVAS con guión del crítico Carlos Pumares, y LA SAGA DE LOS DRACULA, por citar algunas que no le vinculen con Paul Naschy.
Por cierto, el título es una mierda, porque desde el principio, sabemos como va a acabar el quinqui ¿No?